Русский балет
От первых спектаклей
до наших дней



Термин «балет» появился в Италии периода Ренессанса (XVI век). Изначально под ним подразумевался не цельный танцевальный спектакль, а только эпизод. Да, балет принадлежит к синтетическим видам искусства, и включает в себя: танец, музыку, драматургию (либретто), сценографию.
Национальные традиции и тесные взаимоотношения с иностранцами стали отличной почвой для возникновения балета в России. В 1675 году при царе Алексее Михайловиче была поставлена пьеса «Русалки или Славянские нимфы», которая представляла собой баснословную комедию с песнями и танцами. Царствовавший после него Петр Великий, поощрявший приезды иностранных трупп, создал благоприятную обстановку для развития балета в России.
Пётр I «обязывал иностранцев-антрепренёров обучать театральному искусству, танцам и музыке с добрым радением и всяким откровением русских учеников, выбранных из приказных подьячих».
Владимир Осипович Михневич (1841—1899) — русский журналист, публицист, писатель, историк быта, краевед.
В 1734 год в Петербург приехала балетная труппа из Италии, а также французский танцовщик Жан Батист Ланде. Этот визит вошёл в историю русского балета, ведь именно благодаря стараниям Жана Батиста в мае 1738 года было открыто первое в истории России театральное училище — Академия русского балета им. А. Я. Вагановой.
В конце XVIII века в России появились крепостные театры, а вслед за ними и балеты. Стали набирать обороты домашние театры знатных вельмож, которые стремились к пышности, роскоши, богатству театральной обстановки. Каждый из них хотел заполучить как можно больше талантливых актёров, певцов, танцоров, которых искали среди крепостных. Особенно прославился театр графа Н.П. Шереметева.


Шарль Луи Дидло был одним из выдвиженцев концепции программности, которая подразумевала единство драматургии – хореографической и музыкальной. Балеты Дидло были предвестниками романтизма. В своих постановках балетмейстер сумел совместить сольный танец и кордебалет, привести их к единому ансамблю.
Первая треть XIX столетия – русский балет подошёл к своей творческой зрелости. Сформировалась национальной школа, черты которой в дальнейшем станут славой русского балета: виртуозность техники, психологизм и глубина, правдивость и искренность, красота и изящество.
В 1825 году в Москве открылся Большой театр. Отныне московская балетная труппа получила в своё распоряжение великолепно оснащённую в техническом плане сцену.
30 – 40-е гг. – период романтизма. Балетные постановки разделились на те, которым были свойственны яркий драматизм и критика действительности, и на те, которые базировались на фантастике, сюрреалистичности образов. В таких балетах часто в качестве действующих лиц выступали призраки, сильфиды, ундины. Объединял оба направления образ главного героя-мечтателя, который вступал в конфликт с суровой действительностью. Новаторская черта этого периода – установление гармоничного соотношения между танцем и пантомимой. Сам танец становится первостепенным элементом балета.
В середине XIX века на смену романтизму приходит реализм. Однако его веяния не отразилось на балете. Поскольку он оставался придворным искусством, его главными функциями остались эстетическая и развлекательная.


Начало 60-х гг. — период сказочных сюжетов и номеров-дивертисментов. Однако из-за регламентации эволюция балета начинает тормозиться на уровне форм, приёмов и композиции.

Сама композиция спектакля продолжает строится на чередовании танцевальных фрагментов и пантомимных эпизодов, но пантомима начинает носить служебный характер. На первый план выходит техника исполнения и отдалённость форм. Из балетного искусства начинает исчезать содержательность.

Поиски Петипа нашли завершение, прежде всего, в его сотрудничестве с Петром Ильичом Чайковским («Спящая красавица», 1890; «Лебединое озеро», 1895).
Тем не менее, именно русский балет утвердил новые высокохудожественные традиции. Связано это прежде всего с именем выдающегося танцовщика и хореографа Мариус Иванович Петипа. Благодаря ему сложилась эстетика «большого», или академического, балета — монументального зрелища, построенного по нормам сценарной и музыкальной драматургии.
Начало ХХ века характеризуется лидирующими позициями русского балета в мире. Отныне школа русского балета – это самый лучший репертуар и коренные традиции. Главным назначением искусства этого периода становится критическое отражение жизни.







К 1917 году балет уже обрёл славу национального достояния. Из-за революции многие артисты балета эмигрировали, а оставшиеся претерпевали идеологическое давление. В то же время, балетный театр стремился сохранить прежние традиции.

«ОДЕТЫЙ» СПЕКТАКЛЬ: ПОЧЕМУ КОСТЮМЫ В БАЛЕТЕ ТАК ВАЖНЫ ?
В числе первых ассоциаций, которые возникают у каждого человека, когда он слышит слово «балет», непременно будут пачка и пуанты. Но всегда ли эти неотъемлемые составляющие современного балета были в том виде, в котором мы наблюдаем их сегодня со сцены театра? Конечно, с течением времени в балетном искусстве изменялись не только музыка, хореография и либретто, но и костюмы артистов. Так как балет – это не просто танец, а цельное театральное представление, сценический костюм занимает в нём не последнее место. Вместе с инженером-технологом текстильной швейной промышленности Юлией Кожевниковой, заведующей мастерской по изготовлению обуви Челябинского театра оперы и балета им. Глинки Светланой Уховой и швеёй Людмилой Тусовой мы поговорили о том, каков процесс создания костюмов для танцоров сегодня и насколько можно реализовать свой творческий потенциал в этой сфере.



Перед тем как начать разговор, хотелось бы узнать у юлии, которая изначально не специализировалась на создании сценического костюма, но в итоге всё же пришла к этому, что было самым сложным?

Юлия: Пошив платьев для танцоров вообще довольно специфичен, мне пришлось изучать большое количество новых тканей, их свойства. Артисты очень активно двигаются, ткани, используемые для повседневной одежды, тут не всегда подойдут. Если говорить о стретч-тканях, которые хорошо тянутся, то с ними работать не так сложно, как, например, с шифоном, с помощью которого набирается объем юбки. Вообще, моя специальность универсальная. Если специалист хочет уйти в какую-то более узкую стезю, например, заниматься тем же пошивом костюмов для танцоров, ему в любом случае придётся самостоятельно доучиваться, переучиваться. Мне кается, так везде.



С чего начинается процесс создания костюмов для артистов?

Светлана: Начинается всё с того, что приезжает художник. Обычно он из Москвы или Петербурга. Он даёт каждому цеху эскизы: в чём должны быть танцоры, какие должны быть декорации, и тут уже каждый начинает работать.
Людмила: Да, в последнее время у нас приглашенные художники, в основном из Москвы, но вот сейчас, например, у нас премьера «кармина бурана», его поставила наша художница Елена Сластникова.
А процесс начинается с того же: приезжает художник, нам показывают эскизы, потом они едут закупать ткани. Каждый эскиз отдельно обсуждается с технологом, закройщиком, выбираются виды лекала, материалы для отделки. После этого мы приступаем к пошиву костюмов, и уже в процессе работы бывают какие-то корректировки.



Выходит, все материалы выбирают сами художники?

Светлана: нет, я сама езжу подбирать материалы для изготовления обуви. Когда я получаю приказ, то еду в магазин выбирать кожу и ткани. Кожа идёт только натуральная: мягкая овчина, чтобы у танцоров тянулись ножки. Стелька также шьётся из качественных материалов, это у нас идёт спилок.



Много человек трудится в мастерской?

Светлана: У нас есть заготовщик, затяжчик, модельер, который по эскизам делает модель обуви, и закройщик. Раньше, конечно, было больше человек, но сейчас нет необходимости отшивать около ста пар для спектакля. Хор уже весь обут, джазовки (джаз-кроссовки, которые прекрасно подходят для всех видов танцев, где необходима свободная стопа. ) тоже у всех есть.
Людмила: Пошивочный цех подразделяется ещё на несколько цехов: женский, мужской, цех художественной обработки изделий, а в каждом из них по 3-4 человека. Цех художественной обработки изделий самый интересный. Костюм ведь не может быть полным без отделки. На финальной стадии наши рукодельницы дополняют костюм аппликациями, мехом, бахромой, камнями… После этого он принимает свой окончательный облик.



Возможно ли отойти от эскиза, изменить что-то на своё усмотрение?

Светлана: Нет, от эскиза откланяться нельзя, чего-то не доделать или добавить своё. Нам дают приказы, где всё уже полностью расписано. Мы просто подбираем колодки и воплощаем идею режиссёра и художника в жизнь.
Людмила: несовпадение с эскизом может быть только в том случае, если во время примерок было принят решение что-то изменить, но здесь решаем тоже не мы.
Юлия: Зависит от того, кто заказчик. Вообще, когда танцор приходит за новым платьем, он уже конкретно знает, что ему нужно, но на примерках обычно всегда идёт обсуждение, и мы уже коллективно решаем, где лучше добавить ткань, где убрать. В любом случае стараемся сделать так, чтобы человек остался доволен и ему было удобно. Когда речь идет о работе с коллективом, то процесс обычно немного сложнее и дольше. Здесь, прежде всего, внимание уделяется идее танца, музыке. Поэтому сначала необходимо нарисовать эскиз, потом согласовать его с хореографом, внести правки, подобрать ткань. Процесс интересный, но долгий. Вот, кстати, вспомнила, как недавно мы шили платья для коллектива современного танца. Темой танца была осень. Девочки-танцоры были одеты в гетрах, носочках, шерстяных комбинезонах, а сверху на них были шифоновые платья, которые мы сшили. Я никак не могла понять, зачем им эти шифоновые платья сверху, пока не увидела сам танец. Оказалось, что они изображают листопад. Притом у кого-то платья были более собраны, то есть образ помятых листов, у кого-то они были подкрашены другими красками, значит лист уже начал менять свой цвет. Так что, когда речь идёт о работе с режиссером, к нему, конечно, нужно прислушиваться, потому что для них костюм – один из главных инструментов, помогающих передать замысел.



Сколько времени нужно, чтобы «одеть» новый спектакль?

Светлана: Для спектакля мы отшиваем обувь для всех артистов где-то месяц-два.
Людмила: Где-то так же, месяца два, даже побольше, наверное. За этот период нас минимум 2-3 примерки.



Как создаётся самый «балетный» костюм: пачка и пуанты?

Светлана: Пуанты – это довольно специфическая обувь, к тому же у производителя особая технология производства, это единственное, что мы не шьём. Насколько знаю, в основном артисты любят импортные заказывать, из Америки, что ли. Наш театр заказывает для спектаклей у «Гришко» ( «Grishko» – интернет-магазин одежды и обуви для всех видов танца, фитнеса, йоги, пилатеса и активного образа жизни). Раньше там же они закупали джазовки и ичиги. но теперь мы их шьём сами.
Людмила: Пачки у нас планируют шить. Сейчас как раз наша заведующая мастерской по изготовлению костюмов Наталья Ушакова на обучении в Большом театре (Москва). До сих пор мы заказывали их из Москвы. Раньше у нас умели шить пачки, но потом мастерство было утеряно, а сейчас вот будет восстановлено, и уже с осени мы начнём шить свои пачки.
Юлия: О, тут у меня особая история. Когда мы с коллегами занимались ещё только пошивом платьев для «бальников», нам пришла идея научиться шить костюмы именно для балерин. Мы нашли курсы в Петербурге при Мариинском театре. Приехали туда и стали изучать, как шить пачку, как набирать слои, чтобы юбка была пышной, как сделать так, чтобы всё это стояло и держалось во время танца. Обучались мы довольно долго. Наш курс был построен так, что мы изучали всё, начиная от эскизов и заканчивая уже готовым платьем. После того, как всё закончилось, вернулись в Челябинск такие одухотворенные, но оказалось, что здесь это не особо кому-то нужно. Поэтому мы стали делать частные заказы: пачки, шопенки (воздушная юбка из фатина, обычно длинной до колена. прим.автор). Так что обучение в Петербурге не прошло даром, наоборот, дало толчок к развитию. Постепенно какие-то технологии пошива костюмов для балерин удалось применить и при создании платьев для бальных танцев.



Юлия, а долго ли шьётся классическая пачка?

Вообще да, долго. Если сидеть, допустим, полный рабочий день, то где-то дня четыре. Её ведь ещё и украшать нужно. Интересно то, что обычно нам заказывали пачки не балерины, а девушек и женщин, которые только начали заниматься балетом, или отдали своих детей в балетную школу, но не профессиональную, а как в кружок танцевальный. Да, тогда был какой-то всплеск, и заниматься балетом стало особенно модно. Точно не скажу когда, может года четыре, лет пять назад. Так что можно сделать вывод, что посвятить себя искусству никогда не поздно (смеётся).




Период Великой Отечественной войны ознаменован активной деятельностью ведущих представителей московского и ленинградского балета в эвакуации. В связи с этим, многие провинциальные труппы переживали значительный профессиональный рост. В первые годы после войны в балетном искусстве начинает преобладать патриотическая тема.


Пришедшее поколение хореографов ориентируется теперь на развитую систему танцевально-музыкальной драматургии. В их творческой концепции основой всего действа выступала именно музыка. Это тенденция 1950-х гг. В этот период особо значимым становится имя хореографа Юрия Николаевича Григоровича.
Последний этап советского балета охватывает 1985–1991 гг. и связан с горбачевской перестройкой. В эти годы административное и политическое давление на искусство ослабло, вследствие чего конъюнктурный характер постановок стал отвергаться.

Татьяна Борисовна Предеина о конце 80 – 90-х гг. и их влиянии на русский балет.


XXI век подарил российскому балету новые имена.

Начали появляться частные труппы и школы, в которых поддерживались другие балетные направления («Театр танца», А.Н. Фадеечева; театры танца постмодернистского течения под руководством Г. М. Абрамова, Е.А. Панфиловой, А.Ю. Пепеляева, «Имперский балет» Г. Таранды).

Как и ранее, Большой и Мариинский театры взрастили поколение ярких талантов, звёзд мирового уровня: У. Лопаткина, Д. Вишнёва, Н. Цискаридзе, С. Захарова и многие другие.
 
 
 
 
Современный балет
Помимо многочисленных театров и частных трупп, развитие современного балета демонстрируют регулярно устраиваемые конкурсы артистов балета.
Тенденции
Что касается репертуара, то театры по-прежнему показывают классические балеты, но при этом на сцене появляются новые постановки с элементами современной хореографии под музыку самых различных жанров.
 
 
 
 
 
 
 
 
Современный балет в России
Сегодняшний балет отходит от канонов, которые складывались на протяжении нескольких столетий. Современный танец стремится к естественности, минимализму, преобладанием содержание над формой. В России современные балетные постановки можно увидеть в Театре балета Бориса Эйфмана.
Сегодня начать заниматься балетом может любой желающий человек, потому что в приоритете не худоба и идеальная растяжка, а желание научиться чувствовать настроение музыки и разговаривать на языке тела.
Источники
1. История балета в России, реферат: https://referatreferatovich.ru/referaty/kulturolog...

2. Официальный сайт Челябинского театра оперы и балета имени М. И. Глинки

3. Фотосток: https://unsplash.com

4. Официальный сайт Большого театра: https://www.bolshoi.ru/persons/ballet/66/

5. Официальный сайт Александрийского театра (г. Санкт-Петербург): https://www.bolshoi.ru/persons/ballet/66/


Маргарита Гусева
Студентка ФЖ-201
Made on
Tilda